Robert Crumb Comic
Zeichnen Schlussfolgerungen – der Aufstieg der Zeichnung in der zeitgenössischen Kunstszene
Nicht so lange her, wurde Zeichnung der neuen Malerei. Von kleinen und intimen zu wandgroße, hoch gearbeitet oder entschlossen Low-Fi, unabhängig von ihrem Format, das Wiedererscheinen einer einst Seite gesäumten Medium markiert eine dramatische Verschiebung in seine Geschicke und zwar Annahmen über Kunst im Allgemeinen.
Aber Warum dieser Wechsel? War es, dass in einer Kunstszene zunehmend getrieben von Modeerscheinungen, wurde Zeichnung du jour, einfach weil es nicht Zeit für eine sehr lange? Oder waren andere, weniger offensichtliche Faktoren bei der Arbeit?
In der Tat war das erneute Auftreten des Zeichnens weit von marktgerechten und seine Erhöhung im Profil deutlich langsamer Prozess als jede neu voguish Status suggerieren könnte.
Um verstehen etwas von ihrem aktuellen Auswirkungen, es ist notwendig, um Rückblick auf die letzten Jahre des 20. Jahrhunderts. Eine Zeit, in den Augen vieler, sah der Kunstszene, ganz anders.
Während viel von den 1990er Jahren visuelle Strenge und eine gewisse Zurückhaltung regiert die Arbeit von einer neuen Welle von Künstlern, von denen viele Briten, viele hochkarätige.
Figuren wie Darren Almond, Damien Hirst, Martin Creed, Rachel Whiteread und ein wieder entdecktes Allan McCollum verkörpert eine Kunstszene durch Hände-weg, konzeptuelle Praxis und eine strenge theoretische Sog angetrieben.
Auch Künstler, deren Werk hingegen schien mehr spielerischen und theatralischen – Maurizio Catellan, die Chapman-Brüder, eine immer bleibende Jeff Koons – teilten eine Vorliebe für glatte, teuer, mechanisierte Ausgang. Und in der Tat, im Rückblick, es gibt eine gewisse Poesie synchronistische der Tatsache, dass Marc Quinn 'Self' Porträt, Principal Symbol der Epoche, ganz wörtlich gefror das Blut.
Weitere Tendenzen untermauert die allgemeine Gefühl der unberührten, kalt Oberfläche. Grafik-Design in den späten 90er Jahren bejubelten die harten Kanten der neu perfekte digitale Genese, während auf einem populären Ebene ernst Flirt mit "Minimalismus" induzierte Hausbesitzer Komfort mit ursprünglicher Oberfläche und geräumige Leere ersetzen.
Klar ist jeder Versuch, schnell zu definieren einen Moment in der Kunstgeschichte ist zu starke Vereinfachung verurteilt. Eine Vielzahl von Künstlern stehen in üppigem Kontrapunkt zu chirurgisch stählernen Schränken Hirst oder Whiteread blass, negative Räume. Das Werk von Peter Doig, Marlene Dumas, Daniel Richter und Jörg Immendorf – um nur einige zu nennen – alle offensichtlichen eine offensichtliche Freude an der üppigen Aufschlag machen oder absorbiert, malerische Geste.
Doch es ist sicherlich richtig, dass das, was im Allgemeinen in die Schlagzeilen – die seziert Schafe, die Lichter ein / aus, der Naturweg Betten – im Wesentlichen "konzeptionelle Arbeiten dieser Seite gesäumten direkte künstlerische Intervention. Und es ist auch wahr, dass mit dem Internet wirklich Coming of Age in den 90er Jahren stark beachteten Ästhetik wurde beispielsweise sofort und allgemein zugänglich zum ersten Mal in einer Geschichte. In der Masse Augen der Öffentlichkeit, hatte Kunst eine harte, neue Kante gewonnen.
Doch an anderer Stelle, war ein wild kontrastierenden Vision weit weniger gut dokumentiert. Am America's West Coast, insbesondere die lange tragend Samen von einem randvollen alternativen Szene waren Anfang erhebliche Früchte zu tragen. Seine Einflüsse waren vielfältig und unterschiedlich, doch gemeinsam, dass alle gut lag außerhalb der zeitgenössischen Mainstream.
In LA, zum Beispiel die "Underground" Zeichnungen von Ray Pettibon – stehen zunächst auf die Rock-Szene dann durch kurzfristige Magazine verteilt – gesammelt hatte inbrünstige Bewunderer in den späten 70er Jahren und 80er Jahren. Eine große Ausstellung im Jahr 1992 bei der Beschaffung sein Profil sowohl in der Staaten und im Ausland erfolgreich.
Doch die Arbeit war Pettibon lediglich die bekannteste Facette eines aufkeimenden Gegenkultur. Eines, das seit 1986, hatte einen großen Fürsprecher in der inzwischen legendären La Luz De Jesus Galerie in Downtown LA gefunden.
Diese Raum, unpassend oben eine unkonventionelle Geschenke Shop befindet, konzentrierte sich ganz auf Künstler, deren Hintergründe und Einflüsse sprang aus einem Array von populären Kulturen wie Illustration, Volkskunst, Comics und Tätowieren. Und diese Leistung, entscheidend ist, hin zu einer komplexen figürlichen Handwerk näher zu der Zeit mit Darstellung als so genannte "fine" Kunst findet gepflegt.
Das Galerie und ihre Künstler stabil erwies sich als schnell und einflussreichen lokalen Erfolg, und im Jahr 1994, Juxtapoz, eine Zeitschrift, gegründet von Robert Williams (selbst ein Künstler und Freund des berühmten U-Bahn Künstler Robert Crumb) begann auch zu präsentieren diese wachsende Welle der alternativen Kunst.
Völlig im Widerspruch zu den dünn, Theorie-geführten ästhetischen dominierende zeitgenössische Praxis bei der Zeit wurde diese neue Sensibilität als Bewegung angesehen werden. Seine Wurzeln und Lage waren nicht nur ein Etikett definiert, sondern zwei: Low-Brow oder Pop Surrealismus.
Entschlossen Populist – an der Grenze, auch auf Kitsch – seine Aneignung der populären Stil und Inhalt in einem feinen Kunstkontext hinterfragt lang gehegte Annahmen über die Parameter der Kunst. Revisiting frühestens Grundsätze der Pop Art, aber dennoch völlig, dass Bewegung später Assoziationen mit Warholschen Massenproduktion abgewiesen.
Und in San Francisco auch ähnliche Trends waren bei der Arbeit.
In den 1990er Jahren eine Gruppe von Künstlern wie Chris Johansen, Clare E Rojas und Barry McGee entstand eine unverwechselbare neue Szene zu bilden. Ihre Arbeit, wenn auch viel Austausch mit dem Low-Brow Phänomen, in mehreren wichtigen Punkten unterscheiden und wurde bekannt als die 'Mission School "in Anerkennung seiner wesentlichen San Francisco Geschmack.
Lokale Einflüsse trug zu einer skurrilen, lockerer Umgang mit Bild-Herstellung als LA Tendenzen an der Zeit. Street Art wie Graffiti ein fester Bestandteil der Szene gebildet, wurde aber in der Regel raffiniert in einer Bildmarke als textuelle Medium. Das Erbe des Underground-Comics Pionierarbeit von Leuten wie Robert Crumb zeigte sich auch im cartoon-like Charakterisierung und eine witzige, humorvolle Rand.
Mehr Wichtiger noch, während die Malerei in den Mittelpunkt der Low-Brow Bewegung lag, Zeichnung war viel häufiger von der Mission School Künstler angenommen.
In einer Anspielung auf die von Hand gezeichnet Agitprop und pyschedelia der 60er Haight-Ashbury, wiederbelebt sie Techniken wie detaillierte Strukturierung, Hand-Schriftzug und Decoupage. Materialien wurden auch häufig unkonventionellen; Kugelschreiber, Marker, Recycling-Papier, Holz oder Metall finden alle eine Rolle in der Mission School Look.
Das "regionale" Unterscheidung wurde deutlich hervorgehoben in der Öffentlichkeit für eine 2000 zeigen bei LA Neue Bildergalerie:
SAN FRANCISCO Zeichnung zeigen kuratiert von: Alicia McCarthy und Chris Johanson. 19 Mai – 17. Juni 2000.
Straight aus San Francisco, wird Zeichnungen von über 15 Künstlern zu sehen sein …. Derzeit gibt es wichtige künstlerische Tendenzen der Entwicklung von San Francisco. Zeichnen ist die Wurzel dieser Entwicklung.
Inzwischen jedoch fand Amerikas Ostküste sich gezwungen (für einmal) nach und nach erkennen eine Verknüpfung von Kreativität auftretenden anderswo. Während viele Kommentatoren, Kuratoren und Galeristen zunehmend bewusst, dass eine Art von echten kulturellen Wandel stattfand, schien andere langsam oder einfach nicht willens, seine Auswirkungen oder Legitimität anzuerkennen.
Doch die wachsende Attraktivität von Low-Brow und damit verbundene Arbeiten – vor allem bei einer Generation von neuen und aufstrebenden Künstlern – unbestreitbar war. Neue Galerien geöffnet, um sich ausschließlich in diesem Genre, und Juxtapoz, zusammen mit vielen seiner vorgestellten Künstler, begann eine Fangemeinde zu erwerben. Seine internationale Verbreitung und die große Reichweite des Internets dazu beigetragen, dass diese neue Sensibilität über die US-gefiltert.
Das "Inoffiziellen" kalifornische Szene gewinnt an Dynamik in den 90er Jahren war untrennbar mit einer Ablehnung der herrschenden künstlerischen Praxis stehen – die Vorstellung, wie Fred Tomaselli später formulierte, "… dass die Menschen sind ein bisschen müde von der Über-Rationalismus (sic) der Welt der Kunst, diese Idee, dass man alles über das zerebrale bekommen kann. "
Doch seine Gesinnung war ansonsten äußerst demokratische und Vereinheitlichung, eine Erklärung über die Gültigkeit oder vernachlässigte Seite gesäumten Kunst. Es kann kaum Zweifel daran, dass ihre Entstehung ein Anstoß zur Verfügung gestellt hinter die aktuelle Interesse an der Zeichnung werden.
Aber dieses Interesse – und mit ihm das Wiederaufleben von einer bestimmten Art von künstlerischen Auseinandersetzung – war natürlich nicht allein um Amerikas Westküste beschränkt.
Anderswo in der Staaten, Laylah Alis erste große Schau genau gemustert, nahm faux-naiven Werken Platz in Chicago MOCA im Jahr 1999 (sie war vorgestellten, zusammen mit Chris Johansen, in der New Yorker Drawing Center im Sommer 1998).
Julie Mehretu, ebenfalls aufstrebenden gegen Ende der 90er Jahre verschmolzen Malerei mit Zeichnung in einer Vielzahl von komplexen Aufschlag machen, während in Kanada Royal Art Lodge, 1996 gegründet, produziert skurrilen Zeichnungen, Malereien und Objekte erinnern an die Mission der Schule ausgegeben.
In Europa wurden ähnliche Tendenzen auch im Gange. Als im 20. Jahrhundert zu Ende ging, war Schwedens Jockum Nordstrüm mehr Anerkennung für seine wunderschön gerenderten, verdreht Tableaus von weit aus dem Alltag. Schweiz Marc Bauer produziert kräftig Zeichnungen, die beispielhaft die mittlere Stärke, und in Großbritannien die handgezeichneten zine wurde von Olivia Plender angenommen, wenn auch in einer hochglanzpolierten bilden.
Während Zeichnung, offensichtlich hatte nie ganz aus der Galerie verschwunden, repräsentieren diese Künstler nur ein paar von diesen Beitrag zu seiner schnell wachsenden Sichtbarkeit gegen Ende der 90er Jahre. Ein Wiederaufleben jetzt so offensichtlich, dass, obwohl durch bestimmte definierbare Faktoren dazu aufgefordert werden, es erscheint jedoch organisch, fast unerlässlich ist; ein Phänomen, das sehr wahrscheinlich identifiziert sowie sehr aktuellen Bedürfnissen entspricht unter den heutigen jungen Künstlern.
Und was sind sie?
Nun, mit zu beginnen, Zeichnung, ist billig. Für diejenigen, kämpft mit den hohen Kosten der Atelierraum und Materialien, es ist ein Medium, das finanzierbar ist, sowie eine überschaubare der Produktionsmittel.
Was mehr ist, ist es enorm inklusive. Jeder, an einem gewissen Punkt, erlebt hat, den Akt des Zeichnens auf einer bestimmten Ebene, einer Beteiligung, die selbst dem unbeteiligten Beobachter ein Gefühl der Beteiligung an dem Medium bietet, eine viszerale Engagement in der Anwendung, dass die begrifflichen Kunstformen oft fehlt.
Doch trotz dieser erfrischend egalitäre Schein, es scheint auch, dass ein Großteil der heutigen Ausgabe auf höchst individuelle, auch obskure Ausdruck scheint gerichtet, eine Praxis von komplizierten, fast obsessiv Aufschlag machen veranschaulicht.
Auf der einen Seite, dieses ganz unterstützt ein Ethos, mit dem heutigen Künstlern zu verlangen scheinen eine intime, persönliche und offensichtlich Auseinandersetzung mit ihrer Kunst.
Akribischer Kleinarbeit und arbeitsintensive Mark-Herstellung repräsentieren künstlerischen Schaffens für die der Künstler allein verantwortlich ist. Kein Dritter Bautrupps, keine Assistenten zur Hand einen Pinsel tupfen, wie verwiesen. Diese Kunst geht es darum, in möglichst reiner Sinn.
Eine parallele Verwendung der Explosion im Handwerk Elemente – Sicken, glitzernden, Collage, Stickerei – sowie die wachsende Beliebtheit von Zeitschriften und Künstler "Bücher – Spiegel dieses Streben nach hands-on, hoch personalisierte Engagement.
Doch mehr faszinierend, können Ansprüche für kreative Eigentum und dienen muss neben einer Überarbeitung des künstlerischen Engagements.
Kunst, hat natürlich immer zu reflektieren und zu interpretieren gewesen der Welt, aber Anfang des 21. Jahrhunderts scheint eine besonders tiefgreifende Neubewertung der genau das, was die Welt betrifft erlebt haben. Der Ausblick ist ein ungutes eine, durch ein wachsendes Gefühl der Spaltung gekennzeichnet und Luxation, insbesondere, Abkommen den Begriff der Umstand außer Kontrolle.
Um wieder kurz auf Pop Surrealismus, getreu seiner surrealistischen Etikett der Bewegung wird von Subversion der scheinbaren Realität markiert. Typischerweise geschieht dies auf störende ängstlichen Form, mit Bio-Morphing Figuren bevölkern Szenarien voller Bedrohung, einen Sog von Gewalt ist dunkel ergänzt durch Bilder aus der Kindheit gezupft.
Und wichtig ist, im Gegensatz zu Surrealismus, die die Innenräume der menschlichen Psyche erforscht, Pop Surrealismus schräg konzentriert auf körperlicher, tatsächlichen Realitäten. Diese genetische Hybriden, ruiniert Landschaften und konstant sieden der Bedrohung nicht nur in unserer Alpträume existieren. Sie sind bei uns zu kaufen.
Die Bewegung selbst kann seinen Tag hatte so weit wie der Kunstmarkt betrifft, aber der Zeitgeist es porträtiert ist eindeutig hier zu bleiben.
Betrachten wir für einen Moment, Jean Dubuffet berühmten Beschreibung von L'Art Brut
"Diese Werke Impulse erstellt von Einsamkeit und von der reinen und authentischen kreativ – wo die Sorgen des Wettbewerbs, Anerkennung und Förderung des sozialen Aufstiegs nicht stören – sind, weil diese sehr Tatsachen, kostbarer als die Produktionen von Berufen. … können wir nicht umhin das Gefühl, dass in Bezug auf diese Arbeiten, Kultur Kunst in allen ihren Teilen erscheint, um das Spiel von einem vergeblichen Gesellschaft, eine trügerische Parade sein. "
Obwohl in den 1950er Jahren geschrieben, liest der Verkündigung jetzt wie eine perfekte Manifest für die Art von Anti-Establishment-Kunstszene haben wir diskutiert. Doch ganz abgesehen davon, Inbegriff einer "reineren" Alternative zu den Mainstream, trägt die Art von Kunst Dubuffet beschreibt nun Konnotationen weit über denen seiner ursprünglichen Beurteilung.
Die "Einfachheit" der naiven oder Volkskunst geht zurück – in der populären Nostalgie zumindest – zu sorglos, weniger komplex Mal in die ein Gefühl für den Ort und Zweck klar definiert waren. Es ist kein Wunder, dass seine Wiederbelebung mit akuter Angst fällt zu unseren eigenen, turbulenten Zeiten.
Im Gegensatz dazu viel Outsider Art ist klar Zugehörigkeit verbunden mit nicht – eine Eigenschaft, am deutlichsten in seiner Umarmung krank psychisch Kunst produziert von der.
Doch auch hier gibt es ein eindeutiger Zusammenhang. Eine solche Arbeit entsteht oft durch seine Verwendung als therapeutisches Werkzeug, eine Tatsache, dass ein interessantes Licht wirft auf die komplizierten, beteiligt Abgrenzung der bisherigen viel Zeichnen und Malen. In der Tat, in seinem auffälligen Bemühungen, Ordnung, Muster und verhandeln Raum, bietet eine solche Komplexität fast casebook Beispiele für Konfliktlösung Gestalt.
Noch interessanter ist noch erheblicher Teil der heutigen Praxis funktioniert ein nicht nur versuchen, Wirklichkeiten zu deuten komplex, aber eigentlich macht sich auf persönliche schaffen sie durch den Bau hoch, Alternative Welten.
Paul Noble bekannten Zeichnungen des fiktiven "Nobson Newtown" sind frei von menschlichen Figuren, aber mit visuellen Erfindung und eigenwilligen Texte durchdrungen kommentieren. Eine klare Absicht ist, ein Spiegelbild der Seele ihres Schöpfers stellen: wie Noble selbst es ausdrückt, "Stadtplanung als Selbstdarstellung".
Andere Künstler "fiktive Welten bieten ähnliche Arenen für die Auseinandersetzung mit Themen, die parallel oder Echo unserer eigenen.
Michael Whittle, einen jungen Absolventen des Royal College of Art, schafft komplizierten Zeichnungen Verschmelzung religiöse Ikonografie mit Motiven aus sammelte Heraldik, Alchemie und Wissenschaft. Die resultierenden Bilder, Schnappschüsse unmöglich Staaten, untermauern die Künstler eigene Wunsch, "einen Sinn Realität ", während auch die Untersuchung" … Mann versucht, sich mit Existenz "kommen.
Camille Rose Garcia (dessen Praxis, wenn auch weitgehend mit der Malerei identifiziert, enthält viel Zeichnung) ist bekannt für täuschend bezaubernde Visionen, welche Beträge zu einer Beinahe-Dystopie bezeichnet. Eine wiederkehrende Charaktere Schlacht zu retten oder zu zerstören vergiftet, sterben weltweit. Die Bösen, Leider scheinen sich zu gewinnen.
Kunst heute scheint mit einer geistigen, politischen und therapeutische Funktion zu ringen, dass wohl, es nicht ganz so deutlich zum Ausdruck seit Jahrhunderten. Und die Tatsache, dass die Zeichnung, die unmittelbarste und spontan von Medien, ein wichtiger Aspekt der Interpretation einer komplexen Welt sollte nicht überraschen Formen.
Nachtrag: Zeichnung jetzt – wer wir sind individuell
Die Energie der kalifornischen Szene ungebrochen, mit San Francisco noch wohl das Epizentrum der neuen Zeichnung – Check , die für die wunderbare Arbeit von Sara Thustra, Sacha Eckes, Andrew Schoultz und Simone Shubuck (a San Francisco native, wenn auch jetzt mit Wohnsitz in New York).
LA Praxis bleibt besonders vielfältig, sondern Künstler, die aufregenden Einsatz von Zeichnung machen umfassen Travis Millard, Adam Janes und Gina Triplett.
Anderswo in den Staaten, genießen wir die Arbeit von Carter, Aurel Schmidt und UK-geboren Dominic McGill (bekannt für seine epischen, 65ft 'Projekt für ein neues amerikanisches Jahrhundert "bezeichnet).
In Europa produziert Richard Höglund interessant Zeichnungen von Semiotik informiert, und in Großbritannien, gehören Künstler beachten Sarah Woodfine und Adam Dant (letztere wurden beide Empfänger der Jerwood Drawing Prize.
Die meisten spannend von allen, schafft Neuling Laura Ford Oldfield großen, wunderschön gerenderten Zeichnungen mit klugen politischen Kommentaren in ihrem Kern, sowie der Kult Zine "Savage Messiah, eine außergewöhnliche Ausflug in die psycho-geographische Gelände von London.
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